Mel Ramos

Mel Ramos es un pintor estadounidense que nació en Sacramento (California) en 1935. Integrante del Arte pop norteamericano de los años 60 del siglo XX.
Frente al grupo de Nueva York formado por Warhol, Lichtenstein y otros, Ramos trabaja en California, lo que va a influir en su trabajo: muestra una sensibilidad diferente a la de los autores de la costa Este. Influido en sus inicios por de Kooning, se alejó más tarde del expresionismo abstracto, corriente de moda cuando era estudiante.

Hacia 1962 comienza una serie de superhéroes sacados de las viñetas del mundo del cómic. Recrea heroínas como Wonder Woman, Phantom Lady o Sheena, de las historietas que leía en su juventud. Su primera exposición individual, en la Galería Bianchini de Nueva York, data de 1964. Desde mediados de los 60 desarrolla un tipo de iconografía que combina desnudos femeninos idealizados (pin-ups) con anuncios de marcas de productos de gran consumo, con todo el cromatismo del Arte pop. Ramos es uno de los primeros artistas del siglo XX que incorporan el arte comercial en su vocabulario formal, y actualmente es uno de los pocos representantes vivos del Pop norteamericano.

Actualmente vive en Horta de Sant Joan (Catalunya). Un bonito pueblo de la comarca de la Terra Alta, donde también pasó muchos años de su vida Pablo Picasso (allí Picasso descubrió el cubismo). También hay un museo del gran pintor Español.

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Comentario Personal:

No he encontrado muchas obras de Mel, pero las que he visto son parecidas, una mujer desnuda con otro objeto (un hipopótamo, una mujer con una rueda de coche...), son unas pinturas que me han gustado porque parecen sacadas de un cómic.


Ésta parece un anuncio de cereales, aunque no creo que para venderle cereales a los niños haya que ponerle a una mujer desnuda.

Warhol

Andrew Warhol (Pittsburg, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos. Ha sido objeto de numerosos análisis, exposiciones de arte, libros y películas, como el documental "I Shot Andy Warhol".

Hasta principios de la década de los 60, Warhol era un ilustrador comercial de éxito. Sus elegantes y detallados dibujos para la empresa zapatera I. Millar eran particularmente populares. Estos dibujos a tinta, de línea bastante desenvuelta, se alternaban con impresiones monoprint (similares a una monotipia) que aplicó extensivamente en su primera etapa como artista. Aunque esta posición entre el mundo artístico y el comercial no era infrecuente, sí es cierto que por motivos de prestigio la mayoría de artistas llevaban con discreción su condición de profesionales de la publicidad. De hecho, la fama de Warhol como ilustrador supuso en un primer momento un obstáculo para su consideración como artista.

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Comentario Personal:


Andy mezclaba en sus obras el cine y la pintura, porque casi todo lo que dibujaba tenía algo que ver con el cine. Aquí vemos una de sus obras "Las dos Marilyns" en la que se puede ver dos caras de Marilyn Monroe, una a color y la otra en blanco y negro.

Freud

Lucian Freud nació en (Berlín el 8 de diciembre de 1922). Pintor y grabador británico. Sus padres fueron Lucie Brasch y el arquitecto Ernst Ludwig Freud, nieto del creador del psicoanálisis, Sigmund Freud. Tuvo dos hermanos: el político Clement Raphael Freud y Stephan Gabriel Freud. Su sobrina, Emma Freud es una prominente productora de radio británica.
Recibió la Orden del Mérito del Reino Unido .

Después de la Primera Guerra Mundial y con el avance del Nazismo, Lucien y su familia emigraron al Reino Unido en el año 1933, recibiendo la nacionalidad británica en 1939. Durante este periodo estudió en el Dartington Hall School en Totnes, Devon, y después en el Bryanston School.

En 1943 El editor ceylandés Tambimuttu comisionó al joven artista para ilustrar un libro de poemas de Nicholas Moore , titulado "The Glass Tower".
En su primera exhibición individual, en la Lefevre Gallery, en 1944, expuso su celebrado cuadro "El Cuarto del Pintor". The painter's room.
Para el verano de 1946, viajó a Paris antes de continuar a Italia por varios meses. Desde entonces viviría y trabajaría en Londres.

Las primeras pinturas de Freud a menudo están asociadas con el surrealismo y muestran personas y plantas en yuxtaposiciones inusuales. Estos trabajos están usualmente hechos con pintura muy fina y a partir de los años 1950 empezó a realizar retratos, muy a menudo desnudos, sin nada más, utilizando la técnica del empasto (o impassto). Los colores son a menudo neutros.
Los temas de Freud son personas y sus vidas; amistades, familia, colegas, amantes y niños. En contadas ocasiones acepta retratos por encargo. Como él mismo dice en sus memorias: "El tema es autobiográfico, cuanto tiene que ver con la esperanza y la memoria y la sensualidad y la participación, la verdad..." "Pinto gente, no por lo que quisieran ser, sino por lo que son".

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Comentario Personal:


Freud solía dibujar gente pero no las dibujaba exactamente como eran sino que les daba un estilo como a un cómic. En esta pintura vemos un caballo perfectamente dibujado en su establo.

Pollock

Jackson Pollock (28 de enero de 1912 - 11 de agosto de 1956) fue un influyente artista estadounidense y un referente en el movimiento del expresionismo abstracto. Considerado uno de los pintores más importantes de los Estados Unidos en el siglo XX.

Nació en Cody, Wyoming (Estados Unidos), y posteriormente, en 1929, se mudó a Nueva York, donde estudió con el pintor Thomas Hart Benton.Entre 1935 y 1943 trabajó para la WPA y pintó bajo la influencia de Picasso, el surrealismo y el psicoanálisis jungiano que usó como terapia contra su alcoholismo.

En 1936 tuvo ocasión de trabajar en el taller experimental del muralista Siqueiros, usando pintura con bomba de aire y con aerógrafo, así como pigmentos sintéticos industriales.

Desde 1938 hasta 1942 trabajó para el Federal Art Project (Proyecto de Arte Federal). Pero en el caso de Pollock, hubo otras fuentes de inspiración añadidas. Así, la cultura de los indios de Norteamérica, con sus formas simbólicas y sus pinturas de arena. Esto le llevó también a probar otros materiales, como el barniz, el aluminio o los esmaltes sintéticos.
El pintor se casó con la pintora Lee Krasner en 1945.
De su corta vida, se dice que los únicos años destacables fueron aquellos en que logró controlar su alcoholismo, es decir, el período 1949-1950. Peggy Guggenheim fue su mecenas, quien le entregaba una mensualidad.

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Comentario Personal:


Ésta es una de las obras de Jason, un autorretrato, es muy oscuro y no está muy bien dibujado. La mayoría de las pinturas de Pollock son abstractas, pero ésta es algo distinta.

De Kooning

En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, de Kooning pintó dentro del movimiento del expresionismo abstracto, y dentro del seno de esta tendencia, sigue la action painting o pintura gestual. Otros pintores de este movimiento fueron Jackson Pollock, Mark Rothko y Clyfford Still. Más tarde, de Kooning experimentó con otros movimientos artísticos.

Desde 1928 de Kooning empezó a pintar naturalezas muertas y figurativas que reflejaban la influencia de la Escuela de París y mexicanas.

En octubre de 1935 de Kooning empezó a trabajar para la WPA, un proyecto de arte del gobierno federal. Fue contratado por este programa hasta julio de 1937, cuando se despidió al igual que su compañero Santiago Martínez Delgado, debido a su estatuto de extranjero.

En 1938, probablemente por influencia de Gorky, de Kooning se embarcó en una serie de figuras masculinas, incluyendo Two Men Standing, Man, y Seated Figure (Classic Male).

Durante los años cuarenta y después, se fue identificando cada vez más con el movimiento expresionista abstracto y fue reconocido como uno de sus líderes a mediados de los años cincuenta.

A partir de entonces se convirtió en una figura sobresaliente de la vanguardia artística.

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Comentario Personal:

Algunas de sus obras me parecen un poco raras poque son como bocetos o algo así, pero de todas formas se ve más o menos lo que quieren representar. Lo que más me ha llamado la atención es lo que resalta algo más oscuro.

Nació en París, (Francia) y era hijo de un capitán de marina retirado. Sus padres eran ambos de origen bretón. A la muerte de su padre en 1908, su madre volvió a su pueblo natal Locronan, Finisterre, y Tanguy convivió la mayor parte de su juventud con otros familiares.
En 1918, Yves Tanguy se embarcó en un navío mercante antes de unirse al ejército, donde se hizo amigo de Jacques Prévert. Al acabar el servicio militar en 1922, volvió a París, donde trabajó en diversos oficios. Por casualidad vio un cuadro de Giorgio de Chirico y quedó tan impresionado que decidió convertirse en pintor aunque no tenía la más mínima educación formal para dedicarse a ello.

Tanguy tenía la costumbre de quedar totalmente absorbido por la obra en la que estuviese trabajando. Esta forma de crear una obra de arte puede obedecer a que su taller era muy pequeño y sólo podía albergar con comodidad únicamente una obra secándose.

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Comentario Personal:

He estado viendo los cuadros de Tanguy y la verdad es que son todos un poco raros.

Por más que me pongo a mirarlos no les encuentro relación con sus títulos y eso me da que pensar, llevo un buen rato intentando ver algo pero no soy capaz.

De todas formas el simple hecho de no entendar nada del cuadro me gusta porque me hace interesarme más por él.

Otto Dix

Otto Dix , (Gera, Alemania, 2 de diciembre de 1891 – Singen, id, 25 de julio de 1969) fue un pintor de la Nueva Objetividad y el Expresionismo alemanes.
El trabajo pictórico de Otto Dix abarca una gran diversidad de estilos, aunque el gran público conoce, principalmente, sus pinturas sobre la guerra. Dibujante excepcional, Otto Dix nos ha dejado 500 bocetos y diversos retratos, además de lienzos y acuarelas, que, sin duda alguna, evocan la época renacentista. Y es que Dix es, en efecto, uno de los grandes pintores alemanes del siglo XX. La mayor parte de su obra se halla expuesta en el Museo de Arte de Stuttgart.

Otto Dix fallece el 25 de julio de 1969 tras sufrir un segundo ataque de apoplejía en la ciudad de Singen, situada a las faldas de la montaña Hohentwiel. Su tumba se encuentra en Hemmenhofen.

Comentario Personal:

He elegido este cuadro porque me llama la atención. Otto hizo varios autorretratos pero ninguno es especial para él por lo que lleva, sin embargo para este cuadro hace un autorretrato llevando en la cabeza un casco de artillero (que seguramente consiguió mientras estuvo en la guerra).

Además es un cuadro muy oscuro que te da a entender que era una persona muy seria.

El Ángel del Hogar

Cuadro pintado tras la finalización de la Guerra Civil española, el “ángel del hogar” de Ernst es un monstruo apocalíptico desbordante de energía destructiva, un ángel de la muerte que, como un King Kong, siembra el pánico y también el terror.

Ernst nació en 1891 en Brühl, cerca de Colonia, y como pintor era un completo “degenerado”; por lo menos, así es como lo describían los propagandistas del Tercer Reich. En 1921 se trasladó a París, donde se dedicó a la escultura, el grabado y el cine, además de la pintura. Allí participó en el movimiento dadaísta, de corta vida (1906-1922), una reacción anarquista al idealismo de las vanguardias y al horror de la guerra, que declaraba que la catástrofe de la Primera Guerra Mundial había vaciado de sentido todos los valores, la moral y la estética.

(http://sabersiocupalugar.blogspot.com/2010/01/1937-el-angel-del-hogar-max-ernst.html)

Comentario Personal:

El cuadro representa a un demonio algo extraño, es una mezcla de animales y distintos colores que forman la criatura. También parece que está destrozando el paisaje dando saltos.

La Masía

Durante los años 1921 y 1922 realizó La masía, siendo la obra culminante de esta época «detallista». Trabajó en ella durante nueve meses de dura elaboración; la relación mítica mantenida por Miró con la tierra, se resume en este cuadro, que representa la granja de su familia en Mont-roig; el grafismo de carácter ingenuo y realista de todos los objetos, los animales son los domésticos, los vegetales los que el hombre trabaja y los objetos todos de uso diario y necesarios para el hombre. Estudia todos sus detalles al mínimo, es lo que se llama la caligrafía mironiana, punto de partida para los siguientes años de su contacto con el surrealismo

Terminada esta pintura en París, por necesidad económica, inició un recorrido entre marchantes para poder venderla. Rosenberg que se ocupaba de las pinturas de Picasso, accedió a tenerla en depósito y al cabo del tiempo y ante la insistencia de Miró, le sugirió seriamente el dividir la tela en trozos pequeños para su más fácil venta. Miró, enojado, recogió la tela y se la llevó a su taller. Se hizo cargo de la pintura, entonces, Jacques Viot de la galería Pierre, que después de unos tratos, se la vendió al escritor Ernest Hemingway, por cinco mil francos.

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Comentario Personal:

Es un cuadro muy bonito en el que representa la granja de sus padres, en ella representa todas las herramientas de una granja, aunque los trazos son sencillos.

La Persistencia de la Memoria

La persistencia de la memoria, conocido también como Los relojes blandos es un famoso cuadro del pintor español Salvador Dalí pintado en 1931. Realizado mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista y sus medidas son 24 x 33 cm. La pintura fue exhibida en la primera exposición individual de Dalí en la Galerie Pierre Colle de París, del 3 al 15 de junio de 1931, y en enero de 1932 en una exposición en la Julien Levy Gallery de Nueva York, Surrealism: Paintings, Drawings and Photographs. Se conserva en el MoMA (Museo de Arte Moderno) de Nueva York, donde llegó en 1934 como donativo de Helen Lansdowne Resor, magnate de la publicidad que posteriormente llegaría a ser patrona del museo; el precio pagado fue de 400 dólares. En una revisión posterior del cuadro, Dalí creó La desintegración de la persistencia de la memoria.

El cuadro fue cedido en préstamo por dos meses, del 16 de enero al 18 de marzo del 2009, al Teatro-Museo Dalí de Figueras, Girona, siendo la primera vez que ha podido verse en España.

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Comentario Personal:

Es un cuadro que me ha llamado la atención. Creo que lo que Dalí pretendía era interpretar el paso del tiempo, añadiendo hormigas y moscas en los relojes.

La idea de representar los relojes derritiéndose es muy buena, yo al verlo noto aburrimiento, por culpa del paso del tiempo.

La montaña de Sainte-Victoire, vista desde Bibémus

La montaña de Sainte-Victoire, vista desde Bibémus es un cuadro del pintor francés Paul Cézanne. Está realizado en óleo sobre lienzo. Mide 65 cm de alto y 81 cm de ancho. Fue pintado entre 1898 y 1900. Actualmente, se encuentra en Museo de Arte, Baltimore, Estados Unidos.

Esta obra pertenece al género paisajístico, uno de los favoritos de Cézanne, junto al bodegón y el retrato. Es, además, uno de sus temas predilectos: la montaña de Sainte-Victoire, macizo calcáreo del sur de Francia, entre los departamentos de Bocas del Ródano y Var. Cézanne, con sus cuadros, la hizo famosa.

Le dedicó numerosos cuadros en dos épocas distintas: de 1882 a 1890 y de 1901 a su muerte. Esta visión desde Bibémus se enmarca en la segunda época.

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Comentario Personal:

Creo que lo que Cézanne está intendo hacer al pintar este cuadro no es representarnos la montaña de Saint-Victorie, sino que nos fijemos en los colores y el como dibuja el paisaje.

En la terraza

En la terraza es un cuadro del pintor francés Pierre-Auguste Renoir. Está realizado al óleo sobre lienzo. Mide 100 cm de alto y 80 cm de ancho. Fue pintado en 1881. Se encuentra en el Instituto de Arte, Chicago, Estados Unidos.

Este cuadro ejemplifica la opción estética de Renoir, que prefirió siempre pintar aquello que consideraba bello, eludiendo temas feos o dramáticos. Dentro de las estaciones del año, prefería representar la primavera o el verano, y nunca el invierno.

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Comentario Personal:

Es un cuadro muy bonito porque tiene mucha cantidad de colores y representa un paisaje verde con muchas plantas.
A Renoir le gustaba mucho pintar a niños y mujeres jóvenes, además en sus cuadros siempre representa a gente pasándoselo bien, en ambientes alegres.

Carreras de caballos

Carreras de caballos antes de la salida es un cuadro del pintor francés Edgar Degas. Está realizado al óleo sobre lienzo. Mide 49 cm de alto y 62 cm de ancho. Fue pintado en 1862. Actualmente, se encuentra en el Museo de Orsay, de París, Francia.

Las carreras de caballos es uno de sus temas favoritos del pintor, en los que explora el movimiento. Eran punto de encuentro de las distintas clases sociales.

Representa una escena antes de la salida. El primer plano lo ocupan los caballos y sus yóqueys, vestidos con maillots de colores. Detrás se ve la fila de los espectadores. El fondo está ocupado por un prado, a lo lejos se ven las chimeneas de las fábricas y toda la parte superior está dominada por un cielo brumoso.

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Comentario Personal:

El cuadro representa la salida de una carrera de caballos, el cuadro parece una instantánea y tiene las características habituales del Impresionismo.

Nenúfares

Los nenúfares (en francés Les nymphéas) es un ciclo de pinturas al óleo que ejecutó el pintor francés Claude Monet al final de su vida, sobre amplios paneles, como el de la ilustración, que mide 219 × 602 cm, y que actualmente se exhiben en el Museo de la Orangerie de las Tullerías, en París, Francia.
Estos inmensos paneles representan un lago con nenúfares.

En el Museo de la Orangerie están suspendidos en dos estancias ovales y alcanzan ocho piezas. Los motivos le fueron proporcionados por los nénufares del estanque de su jardín en Giverny. En efecto, en 1890 Monet había adquirido una casa en esa localidad. En su jardín construyó un puente japonés sobre un estanque que estaba repleto de nenúfares, conocido como «jardín de agua».

Desde entonces y hasta el final de su vida pintó una y otra vez estas plantas acuáticas. Los nenúfares obtienen un gran éxito en 1909, y profundizó en el estudio de estas plantas, con toda una serie de cuadros como Nenúfares en el crepúsculo (1910), que puede verse en la Kunsthaus de Zúrich.

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Comentario Personal:

Es una obra impresionista, se nota porque el cuadro está hecho a base de manchas, no tiene línes finas. También se puede ver los muchos colores que hay sobre el lago reflejando los colores de los árboles que hay encima.

Los comedores de patatas

Este cuadro pertenece a la primera fase de la pintura del artista, desarrollado en los Países Bajos, bajo la influencia del pintor realista francés Jean-François Millet. Van Gogh estudió dibujo, anatomía y perspectiva en Bruselas, completando su formación con conferencias sobre el uso y el comportamiento de los colores. En ese periodo, diseñó y pintó muchos paisajes de escenas de fiestas de los Países Bajos.

En Nuenen, ciudad de Holanda donde vivía su familia, realizó cerca de 250 dibujos, sobre todo sobre la vida de agricultores y tejedores. Los comedores de patatas, considerada la obra cumbre del pintor en esta época, resume este período. Como pintor realista, hablaba de la miseria y la desesperanza que retrató en la gente humilde. Opinaba que los agricultores debían ser pintados con sus características en bruto, sin adornos, criticando y diferenciándose de Millet.

(Wikipedia)

Comentario Personal:

En este cuadro se refleja la pobreza de los campesinos de la época, también se nota en el cuadro la pincelada "gorda" de Van Gogh, aunque no es tan exagerada como en otros

Ulises burlando a Polifemo

Ulises burlando a Polifemo (en inglés, Ulysses Deriding Polyphemus) es un cuadro del pintor romántico británico Joseph Mallord William Turner. Se trata de un óleo sobre tela que mide 133 centímetros de alto por 203 centímetros de ancho. Actualmente se conserva en la National Gallery de Londres (Reino Unido).
Se trata en este cuadro un tema de la Odisea de Homero.

(Wikipedia)

Comentario personal:

Este cuadro representa una escena de la Odisea de Homero, en la que Homero, acaba de escapar del cíclope Polifemo. Si nos fijamos en lo que parece una nube algo más oscura se puede distinguir la silueta del cíclope.

El albañil borracho

El albañil borracho es un óleo sobre lienzo pintado por Francisco de Goya y Lucientes, entonces reputado pintor de tapices para los palacios reales. Perteneció a la quinta serie acometida por éste, y, como todos las piezas que la componen, fue pintado entre 1786 y 1787.
Goya vendió sus bocetos inacabados en cartones a los duques de Osuna, y éstos en 1896 pasaron a formar parte de la colección particular de Pedro Fernández Durán y Bernaldo de Quiraldós, quien lo donó al Museo del Prado en 1931. Desde entonces ha permanecido en dicho museo.

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Comentario personal:

He elegid este cuadro porque es algo raro representar cosas así en cuadros.

Me gusta mucho porque es algo "cómico".

El Ángelus

El Ángelus es un cuadro del pintor realista francés Jean F. Millet. Data del período 1857-1859 y se trata de un óleo sobre lienzo que mide 66 cm. de alto por 55,5 cm. de ancho. Se conserva en el Museo de Orsay de París, Francia.
Millet representa aquí una escena campestre, que es la que dominará en principio su obra.

Esta posición atraerá la atención de la burguesía, ya que el mundo rural simbolizaba «lo bueno» en contraposición de la postura reaccionaria del sector obrero.

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Comentario personal:

En esta obra se ve a una pareja de personas realizando una plegaria a la Virgen María de la Concepción. También se ve en este cuadro la probeza de los campesinos de la época.

La caza del león

La caza del león (en francés, La Chasse aux lions) es un cuadro de Eugène Delacroix, conservado en el Instituto de Arte de Chicago, Estados Unidos. Se trata de un óleo sobre lienzo que mide 76,5 cm de alto por 98,5 cm de ancho. Data del año 1861.

En este cuadro se representa la escena de caza en un paisaje de dunas, que aparecen a la derecha, y el mar azul oscuro a la izquierda. De esta manera, la naturaleza se representa reducida a las fuerzas elementales: cielo, agua y tierra.

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Comentario Personal:

Este cuadro me gusta mucho por la pelea que se representa, se nota la acción mirando el cuadro.
Además, Delacoix se "basa" en un cuadro de Rubens que se llama "Caza del hipopótamo".

El cleptómano

El cleptómano (1822-1823) es una pintura romántica de Théodore Géricault. Se trata de un óleo sobre lienzo que mide 61 centímetros de alto por 51 cm de ancho. Actualmente se conserva en el Museo de Bellas Artes de Gante, Bélgica. También se conoce este cuadro como El loco asesino.

Pertenece a la serie de diez retratos de alienados internados en el manicomio parisino de Salpêtrière, que realizó Géricault al final de su carrera. Se trataría de modelos clínicos representativos cada uno de una enfermedad, y lo realizó a instancias del prestigioso psiquiatra Étienne-Jean Georget, uno de los fundadores de la psiquiatría social. Georget consideraba que la demencia era una enfermedad moderna, que dependía en gran parte del progreso social en los países industrializados. Consideraba que los locos eran enfermos mentales que precisaban ayuda.

(Wikipedia)

Comentario Personal:

Me gusta mucho este cuadro por la expresión de la cara de la persona del cuadro.